© 2017

Chris Abrahams / Lucio Capece
None Of Them Would Remember It That Way
MIKROTON CD 13 | 2012

Edition of 300.

BUY

PHYSICAL | CD

World €15 Metamkine Squidco

DIGITAL

Download €7 iTunes Boomkat Subradar

1. Ring Road
2. Southern Patterns
3. All The Oceans Between

Chris Abrahams DX7 FM synthesizer
Lucio Capece soprano saxophone, bass clarinet, preparations, sruti box

Over the course of a two-year period, Lucio Capece and Chris Abrahams met in Berlin and recorded the pieces contained on this album. Not much was arranged prior to the playing of the music, with the exception of certain aspects of the recording process — such as the placement of microphones in the room. They did not work on trying to pre-ordain a structure or form, or, indeed, to try to make an unpredictable album — their music developed organically.

In the pieces here, Chris’s DX7, with its artificiality and hermetic sound production, combines strangely yet perfectly with Lucio’s organic approach — his focus on the environment of the room; the exterior, outside space.

This work is an explicit attempt at concentration on material; an attempt to take perception as a score and to consider that our senses observe and perceive the “outside” in a unique and dynamic interaction with our memories, our understandings and our physical capacities. It is an exploration of the never-ending dialogs we have between the internal and personal aspects of ourselves and the outside. These are the very dialogs that make people perceive the same thing, always, in different ways.

Reviews

Improv Sphere, Julien Heraud:
Abrahams/Capece, un duo étrange et minimaliste, qui peut laisser perplexe ou envouter complètement. Un synthétiseur DX-7 (un des premiers numériques, typique des années 80) pour Chris Abrahams d’un côté, et une clarinette basse, un saxophone soprano, une shruti box et des préparations pour son acolyte, Lucio Capece.
Le duo Abrahams/Capece parsème un espace très aéré d’interventions étranges et inattendues, qui se répondent sans jamais vraiment fusionner. Sur les trois pièces, les jeux de chacun s’opposent souvent, Capece pose la plus grave note de la clarinette basse pendant un long souffle ou produit une nappe continue et grave également à la shruti box, alors que Abrahams y répond avec de très courtes notes ultra aiguës, de manière pointilliste et minimaliste. Hormis sur la dernière piste, le silence fait partie intégrante des deux autres pièces, mais aussi la répétition et les modes de jeux réductionnistes. Des silences longs et pesants, des notes et des souffles parfois à peine audibles, autant d’éléments qui réclament de l’attention et de la disponibilité, mais qui donnent surtout un poids d’une intensité magique à chaque intervention et à chaque réponse qui ont le temps d’être savamment calculées et préparées avant d’être jouées. En cela, nous reconnaissons la présence de Lucio Capece, ami et proche collaborateur de Radu Malfatti.
Mais outre la structure, c’est le dialogue entre le synthétiseur numérique et des instruments et préparations acoustiques qui me paraît aussi intéressant et beau que la consistance de chaque intervention. Si les éléments s’opposent, le dialogue est néanmoins très sensible et attentionné. Abrahams et Capece parviennent à produire un dialogue cohérent et précis, sans fusionner, où le silence, considéré comme une troisième source sonore, médiatrice entre le numérique et l’acoustique, paraît unir les deux sources opposées. Mais c’est également en assumant pleinement l’altérité et l’opposition de chaque instrument, et en en jouant de manière radicale et parfois exagérée, que le duo Abrahams/Capece parvient à former un discours unifié tout en étant le produit d’oppositions, d’oppositions entre la musique et le silence déjà, mais aussi entre les registres (infra-basses/ultra-aigus), les intensités (pianissimo/forte), les densités (sinusoïdes/bruits issus de préparations motorisés), les durées (pointillisme/drone), etc.
Trois pièces où chacun fait réellement preuve d’inventivité et de créativité, notamment au niveau des textures, mais également au niveau de l’engagement, car les réponses sont souvent inattendues et très surprenantes, tant elles sont nouvelles et s’opposent à ce à quoi elles répondent. Une musique autre et nouvelle, précise, radicale et minimaliste, tout en restant intense et puissante. Recommandé.

Just Outside, Brian Olewnick:
A really good, tough recording with Abrahams (DX7 FM synth) and Capece (soprano sax, bass clarinet, preparations, sruti box) mapping out territory roughly within the Wandelweiserian landscapes that Capece has been exploring in recent years but with a generous helping of needle sharp interjections and shards from Abrahams. I’ve somehow managed to acquire absolutely no knowledge about The Necks’ music, so I have little idea (save from a quick glimpse into You Tube, which yielded so late 90s sessions that seemed almost proto-Radian to me) how representative his contributions are, but his sounds are an excellent foil to the harsh, breath-oriented content of Capece’s reeds.
“Ring Road” is pretty much just that: the hollow whistle of a soprano embellished by tiny, sharp plinks (think “Concret pH”) that occasionally broaden out into oval, elongated globs. The last few minutes of the 11-minute piece turn an unexpected corner, with a clearer sax tone and a panoply of synth ones, though parceled out with relative spareness. Sort of an L-shaped work. “Southern Patterns”, more than twice as long, begins in similar fashion, albeit with bass clarinet, but soon becomes deliciously cooler, darker and sparser, the low reed taking on a sub-aquatic quality, looming in out of the depths, the synth interjections lonelier, like tiny phosphorescent creatures. Bell-like tones are also used as the piece becomes like a nocturnal pastoral, insectile, still very dark, growing progressively rougher as it winds down.
The sruti box (admittedly, I love that sound!) appears for the final track, laying its thick, rich tones in a multi-layered sheet for the consistently pinging and darting synth. It’s in the same vein as the preceding to cuts, just a different color and…warmer.
A fine recording.

Le Son Du Grisli, Guillaume Belhomme:
Le synthétiseur DX7 a permis à Chris Abrahams d’entreprendre, entre 2003 et 2005, d’abstraites Germ Studies en compagnie de Clare Cooper. Plus récemment, il envisageait l’instrument avec Lucio Capece (saxophone soprano, clarinette basse, préparations et sruti box).
D’une autre manière, disent ces trois improvisations datées de 2008. Dans la longueur, d’abord, et ensuite dans l’opposition : de souffles indécis et d’élucubrations chantantes, de motifs courts taillés en rubans et de drones parallèles à ceux-là, de reliefs et de plateaux choisis comme aires de jeux, de graves et d’aigus souvent, enfin, de vindictes créatives et d’apaisements réconciliateurs.
Ce qui rapproche None of Them Would Remember It That Way de Germ Studies, ce sont les trouvailles qu’y font Abrahams et Capece : la pièce Southern Patterns en regorge et s’en nourrit, qui démontre en plus d’une forte cohérence dans son exposition d’expressions fantasques. La tête vous tourne alors ; vous tentez de vous remémorer None of Them Would Remember It That Way. Son souvenir est confus encore, mais curieusement agréable.

Sound of Music, Magnus Nygren:
Sedan den argentiske saxofonisten och basklarinettisten Lucio Capece kom till Berlin 2004 har han etablerat sig som ett intressant namn på den globala improv-scenen. Hans intresse för att tänja på sina instruments möjligheter med eller utan preparationer har lett honom till spännande samarbeten med musiker som Radu Malfatti, Andrea Neumann, Toshimaru Nakamura, Rhodri Davies, Birgit Ulher men också med Mika Vainio och Vladislav Delay. Kanske är det denna blandning som gör att man inte riktigt vet var man har Lucio Capece, än finns han inom den ljudbaserade och lågmälda improvisationsmusiken, än finns han inom experimentell techno och jazz. Inom båda områdena har han dock medverkat på några fantastiska skivor, inte minst på Trahnie med Mika Vainio (Touch), på Choices med Birgit Ulher (Another Timbre) och med Vladislav Delay Quartet (Honest Jon’s).
Nu har han kommit med två nya skivor, en solo på franska Potlatch (hans tredje soloskiva, inspelad i Berlin 2009-2011) och en duo med Chris Abrahams (inspelad 2008-2009 i Berlin) på ryska Mikroton. Båda handlar om ganska extrem musik – även om soloskivans droner är öppnare än duons i huvudsak abstrakta ljudvärldar.
Lucio Capece har en stark vilja att arbeta med vad han beskriver som ”the hidden pitches in the noises and the noises hidden in the combination of pitched sounds”. Exakt vad detta innebär i praktiken lyckas jag inte riktigt att klura ut, men principen är ju relativt klar. En form av dualism där han undersöker och korsbefruktar oväsen med ljud med givna tonhöjder eller stämmor och vice versa för att sedan bearbeta och förädla resultatet. Med i bilden finns även teorier om musikens insida respektive utsida – han nämner själv hur han fascineras av hur improvisatören och trombonisten Radu Malfatti lyckas inkorporera rummet (space) i sin mycket sparsmakade musik.
Men Lucio Capece tycks dock ha lämnat – möjligen tillfälligtvis – önskan att spela med så låg volym som möjligt men ändå vara hörbar för den som sitter längst bak i konsertsalen. Allt är nu tvärtom hörbart och tydligt. Samtidigt har droner stigit in i hans musikaliska värld. Vid sidan av sopransaxen och basklarinetten arbetar han mycket med sruti box, detta indiska instrument som kan liknas vid en droneskapande orgel, men också med elektronik, objekt och prepareringar av blåsinstrumenten.
Dronerna finns framförallt på soloskivan Zero plus Zero men även på en av tre improvisationer på duoskivan None of them would remember it that way. […]
Bara ett av tre stycken på duoskivan handlar dock om droner. Utan tvekan är det också den mest lättåtkomliga låten. På de andra två förflyttas vi in i ganska ogästvänliga sammanhang. Chris Abrahams synt klipper med högfrekventa reläljud isär tillvaron medan Capeces blåsinstrument väser och suckar i små rörelser. Stämningen är mycket koncentrerad. Om än svårsmält gillar jag dock skivan. Borta är berättandet, här hänger allt på klangernas konsistens och hur de interagerar med såväl varandra som med miljön runtomkring. Även om jag kommer att lyssna mer på dronerna, vill jag inte vara utan detta. Det finns något befriande att vara allt utom insmickrande!

The Wire, Dan Warburton:
If Chris Abrahams’s work with The Necks is the aural equivalent of a Gothic cathedral, this duo with Lucio Capece is a Shigeur Ban paper house. The material may seem fragile — pinched peeps and drizzly static from Abrahams’s DX-7 FM, breathy blasts and velvety low end from Capece’s soprano sax and bass clarinet, and pale drones from his sruti box — but the construction is solid and lasting, and the workmanship impeccable. In the same way that Ban’s sliding screens create visual continuity between indoor and outdoor space, the musicians’ austere arrangement of sounds opens the ear to the world beyond, and focuses our attention on how the music relates to it. Not a new idea, of course, but as maxims go, ‘make it new’ is old hat. ‘Make it good’ instead.

Vital Weekly, Frans de Waard:
A disc of improvisation with Capece playing soprano saxophone, bass clarinet, preparations and sruti box which all seems normal for him, but Chris Abrahams plays the (Yamaha) DX7 FM synthesizer, which I guess is an unusual instrument for improvisations, since its not an easy synthesizer to use (programming wise I believe). The three pieces here were recorded already in 2008-2009. Three in total, with the middle piece being the longest. Improvised music of the highest level, I think. Lots of silence, lots of tension, strong interplay between both players, which hoover closely never the edge of silence in ‘Southern Passages’. This is one of those releases that forces you to listen; don’t sit back and let it happen, but sit back, do nothing and listen, especially in this long track. In the closing track there is no silence as such. Here the sruti box takes the lead, and the DX7 plays careful crackles and other small tunes on top of that. In the opening track, with eleven minutes still of considerable length, its effectively a combination of both ends, but slightly more fragmented than you would expect from a combination of drone, improvisation, as apparent in the other two pieces. This variety of approaches makes this a highly enjoyable disc.

Jazz.pt, Pedro Chambel:
Desde 2009, ano em que gravou com a harpista Claire Cooper, que Chris Abrahams, o teclista do grupo australiano The Necks, tem vindo a colaborar com improvisadores de gerações mais jovens. As gravações que efectuou, entretanto editadas, têm-se revelado bastante surpreendentes, se tivermos em conta a produção musical realizada enquanto membro da célebre formação australiana.
Num dos seus mais interessantes trabalhos tem como cúmplice o saxofonista e clarinetista argentino Lucio Capece. Este tem sobressaído na actual cena da música improvisada pela forma arrojada e radical como utiliza os sopros, com diversas preparações e num registo francamente minimal. É neste contexto, precisamente, que se desenvolve a colaboração entre os dois músicos.
Logo no primeiro tema, o sintetizador DX7 tocado por Abrahams é utilizado como um interruptor que ora debita sons num mesmo registo, ora é silenciado. Entretanto, Capece lança sons contínuos, como se fossem sussurros, no saxofone soprano e no clarinete, utilizando diversas “preparações”.
Na peça seguinte, a mais longa do disco, a interacção entre os dois músicos revela-se de forma mais complexa, criando texturas ricas e inventivas. Seja pelo prolongar das notas retiradas do sax soprano ou pela aplicação, neste, de técnicas extensivas que o tornam difícil de identificar e pelo trabalho percussivo de Capece. Pelo seu lado, Abrahams cria um estranho, mas fascinante, mundo sonoro, subtil mas rico de materiais inusitados.
É a caixa sruti de Capece que domina na terceira e última faixa do CD, formando “drones” que lentamente se desenvolvem com o acompanhamento da electrónica tocada de forma serena, contida e contemplativa. Sem dúvida, um álbum que contribui para um refrescamento da imagem que temos de Chris Abrahams.

Современная музыка, Илья Белоруков:
Два видных представителя Echtzeitmusik-сцены выпустили образцово-показательный альбом. И важно, что альбом этот записан в 2008-2009-х годах. Я подметил такую вещь, что именно в конце нулевых записано очень много впечатляющих релизов, которые формально можно отнести к “тихому” импрову (шипяще-пискляво-молчаливой музыке). Если вновь окунуться в историю, то мы найдём истоки этого направления в середине 90-х, в частности в работах композиторов Wandelweiser. Что ж, понадобилось около десяти лет, чтобы из эксперимента эта музыка превратилась в сложившееся направление современной музыки, которой полны фестивали, а уж клубных концертов не счесть. Да, это направление не столь популярно, как тот же пресловутый фри-джаз и фри-импров, но всё же “тихушники” тоже имеют свою аудиторию.
Лусио Капесе (Lucio Capece) стал одним из главных музыкантов, которые усердно исследовали это направление. Он прекрасно владеет циркулярным дыханием, может похвастаться огромной коллекцией различных объектов (труб, баночек, поющих чаш и т.д.) для препарирования сопрано-саксофона или бас-кларнета. Новаторство Капесе не только в этом: сейчас он работает с пространством, уделяя внимание различным звучаниям с разных точек прослушивания. Крис Абрахамс (Chris Abrahams) наиболее известен по участию в The Necks, пост-минималистичном трио рояль-бас-ударные. И до сих пор некоторые ценители электроакустики и импрова с недоверием к нему относятся, помня его красивые тремоло и пассажи за фортепиано. Тем не менее Абрахамс давно уже занимается более экспериментальными работами и каждый его релиз представляет неподдельный интерес.
В дуэте Абрахамс использует старенький синтезатор Yamaha DX-7, производившийся в 80-х и ставший одним из самых продаваемых синтезаторов за всю историю. На нём клепали хиты все, начиная с Queen и Любэ, заканчивая пионерами техно, хауса и электро. Зная об этом (и не зная лично сам инструмент), было страшно представить, что же на нём можно сделать в импрове. А всё хорошо. В первом треке Абрахамс извлекает из него простые высокочастотные звуки, найдя их и тут же рассыпав на более мелкие части и осколки предыдущего звучания. Капесе мастерски управляется предельно высокими звуками на духовых и гоняет воздух внутри них, отвечая за фундамент дуэта, находясь на втором плане; такая роль необычна для духовых. Кажется, второй трек начинается где-то на 9-ой минуте первого по индексации компакт-диска. Это вообще фишка альбома: начало трека стартует ещё в конце предыдущего играемого. Это непривычно и забавно, но неудобно, если хочешь перескочить на нужный трек быстро. Благо треков всего-то три. Итак, как уже было сказано, второй начинается в конце первого с тонов от Абрахамса, которые подхватывает Капесе. Далее они развивают эти отношения и добавляют красок к своим звукам. Синт вновь распадается на более мелкие детальки, стрекочет или пикает словно будильник, в то время как бас-кларнет даёт плотнейший низ, сопровождающийся звуком закипающего чайника, или же выдаёт почти синусоидальные волны. К середине трека Капесе подключает вторую партию, перкуссионную, после чего музыка снова разлагается на небольшие элементы, чтобы вскоре вновь вернуться к более длительному повествованию, включающему в себя паузы, длинные звуки и продолжительные цифровые тремоло синтезатора. Дуэт играет неспеша, осмысленно развивая ткань импровизации, не забывая о звуке. Кстати, здесь очень интересное взаимодействие, которое не столь очевидно неподготовленным. Может показаться, что то один, то другой музыкант бросают свои партии недосказанными и устремляются к новым звукам, но спустя всего несколько секунд после начала этого нового звука оказывается, что ничего не произошло: поменялся саунд, но идея осталась. И это очень интересно, потому что здесь нет банальных тянучек, как нет и излишне надуманных пауз или звуков в тишине. Третий трек начинается за 15 секунд до окончания звучания второго. Зная предыдущие альбомы Капесе, я не был удивлён, что именно в последнем импрове он использует шрутибокс; такое уже было у него пару раз точно, а может и больше. Этот инструмент издаёт очень приятные уху дрон-гудения, в которых легко уйти во время игры и выпасть из общего контекста. С Лусио такого не происходит, он точно знает для чего использует это тягучее полотно. Абрахамс же возвращает слушателя к началу альбома: короткие глитчевые всплески очень уместны поверх плотняка, создаваемого шрутибоксом. На этом приятном гудении альбом и заканчивается.